Forma y Performance, 2009

  • Date Completed: Madrid 2009 - 2010


It is not easy for me to write about my work in a moment like the present when I am too involved with it to be able to have a more detached perspective. Something so close can only provoke a passionate reflection. I wrote a small statement* last year about one of the works that has become the heart of my first exhibition in the Soledad Lorenzo Gallery. In some ways, that text can be used for the entire collection. I exhibited this work for the first time in the Musac, 2008. These types of works are the ones that emerge from very intense vital pulses, and are almost impossible to carry out with the invisible rules of sculptural language. Many internal struggles are left behind. Other devils come running and attacking. There is always the confrontation between what has been lived and what has been created.
The invisible pulse between art and life.
Sculpture as something autobiographical. Life as inexhaustible artistic material. Sculpture as performance. Uncontrolled repetitions of actions.
At the beginning, you work with a sort of reserved shyness. Gradually you begin to represent more movements. Fearless Lines. Until you strip yourself, slowly, of all your responsibilities. And then when you make decisions the forms begin to acquire almost a magical presence. And this simply gives me a small, well, rather, an enormous sense of freedom. This small achievement –subjective freedom- is what urges me to do what I do. The most interesting aspect is to be able to grant something –that to begin with makes no sense by itself–a value of its own.
Sculpture is a discipline that marks you, or one could say, “that directs you” –where to go… and obviously, where not to go as well. Throughout the entire exhibition there is a noticeable presence: that of the body. Both animal and human. In addition, I use materials and forms that are part of my “personal archaeology”. Memories converted into structures with volume. I am not embarrassed by what I have lived. I even try to extract subliminal ideas from despicable chapters. Opposites coexist side by side. However, by no means, am I trying to state that “everything can be used”.
It is in fact rather the opposite.
Not just in my work, but also in art in general, I like to revise the most elementary concepts of sculpture and performance. The first with defined conclusions, the beauty of form. The second with the action of the moment, the intuition of a perpetrated fact.
When you begin to create a three-dimensional body, you immerse yourself in a ritual where, in order to determine the final result, you abandon many things along the way. Your vulnerability and power are the two main tensions that move you to narrate something. And that is what I like to find in a performative act, and exactly what I try to express in volume.
I understand that the creative process is not just the physical work carried out in order to produce the work. A creative process can be an experience of any type. It can even involve betraying yourself. There is no purity.
I always wonder whether the same internal process will be repeated. I cannot imagine myself accepting again to undertake an invisible plot that forces you to deal with so many abstract things, the ghosts of everyday life. You feel that never again will you be able to approach with the same hope and energy so many aesthetical questions that reveal something about you. Narration with abstraction, doubt with strength, lightness with the present moment, etc, etc. Never again will you face the same mysteries. Never again will you suffer the same ups and downs.
Never again, never ever again, never again… Because everything is very intense.
But then you begin another project and even though the results are obviously going to be different, there are facts that are similar. I am referring to an indescribable structure of pain and of pleasure… in which you cannot avoid immersing yourself once again.

The installation “HEAD – SPIRAL – HOLE – FIST – SPERM – KNOT” is both a personal appraisal as well as a statement about sculpture being one of the most important foundations of art.
It is made up of six organic forms, abstract, and with almost identical sizes. The jackets have actually been used so the leather is slightly worn, like the hide of a butchered animal, cut open and exposed to the elements, like a crucifixion.
I treat the traditional noble connotations of a bronze with the same importance as the everyday qualities of manufactured leather jackets. Both the hierarchy of the pedestal and sculpture are also treated in an equal way. I have always been interested in the pedestal as an autonomous volume, as a subject in itself. The leather jackets are the “pedestals”, the form from where the sculpture emerges in order to be exhibited with a greater stark effect.
Each work of bronze that makes up this installation is an autonomous sculpture. Their volume in spatial dimensions indicates the volume of six human presences. An imaginary line joins them together in the empty space between them. A line that depicts both absence and presence. It delineates emotional autonomy, the part of the trunk, with the organs that theoretically express feelings: the stomach, the heart… However, the six forms could also be heads. The head is one of the most recurrent themes of representation that I use throughout my career.
“HEAD – SPIRAL – HOLE – FIST – SPERM – KNOT” suggests a latent transgressive message. Specifically, one of reverse gender. It is an autobiographical gesture, made up of live experiences, one which reflects the impossibility of definition, of annotating with rigid barriers concepts like masculine/ feminine. The complete set of the six sculptures has a sharp narrative approach. A statement of how art does not need to be necessarily self-generated. More often it emerges motivated by reasons that are not, by definition, necessarily artistic. In this case, from an act of awareness, an explosion which literally oozes out of the back. It is something that is moulded with experience, far from the isolated scope of the studio.
I wanted to discuss here the emphatic vitality of the form itself, in abstract, but also the impossibility of isolating art both inside safe, sterile bubbles and on white walls.

Ana Laura Aláez

No me es fácil escribir un texto sobre mi trabajo en este momento en que estoy demasiado envuelta en él para tener una perspectiva más fría. Algo tan cercano sólo puede provocar una reflexión pasional. Escribí el año pasado un pequeño statement sobre una de las piezas que conforman el corazón de mi primera exposición en la Galería Soledad Lorenzo. De alguna manera, este texto, puede servir para todo el conjunto. Esta pieza la presenté por primera vez en el MUSAC, 2008. Este tipo de piezas son aquellas que surgen de pulsos vitales muy intensos, casi inabordables desde las reglas invisibles del lenguaje escultórico. Quedan atrás muchas luchas internas. Vienen corriendo otros demonios atacando .Siempre ante el enfrentamiento entre lo vivido y lo creado.
El pulso invisible entre arte y vida.
La escultura como algo autobiográfico. La vida como inagotable material artístico. La escultura como performance. Repeticiones incontroladas de acciones.
Al principio, trabajas con una cierta timidez. Poco a poco vas trazando más movimiento. Líneas sin miedo. Vas despojándote, lentamente , de una pesada carga de responsabilidad. Y cuando tomas decisiones las formas van adquiriendo una presencia casi mágica. Para mí , simplemente eso, es una pequeña, bueno, más bien, una gran libertad. Por esta pequeña conquista-una libertad subjetiva- no puedo evitar hacer lo que hago. Lo más interesante es poder otorgar a algo -que en principio no tiene sentido- un valor propio.
La escultura es una disciplina que te marca-o se podría decir- “te ordena”-por donde ir…y obviamente, también por dónde no te interesa seguir. En todo el recorrido de esta exposición hay una presencia destacada: el cuerpo. Animal y humano. Además utilizo materiales y formas que son un buen pedazo de mi “arqueología personal”. Recuerdos convertidos en estructuras con volumen. No me avergüenzo de lo que he vivido. Incluso intento extraer ideas sublimes de capítulos abyectos. Conviven los opuestos. Con todo ello, no pretendo afirmar que “todo sirve”.
Es más bien al revés.
No sólo en mi trabajo, sino en el arte en general, me gusta revisar los conceptos más elementales de la escultura y la performance. El primero con conclusiones definidas, la belleza de la forma. El segundo con la acción del momento, la intuición en un hecho consumado.
Cuando te enfrentas a crear un cuerpo tridimensional, te sumerges en un ritual donde, para determinar el resultado final, abandonas muchas cosas en el camino. Tu vulnerabilidad y tu fuerza son las dos tensiones principales que te mueven a contar algo. Y es esto lo que me gusta encontrar en un acto performativo, y lo mismo que trato de expresar con volumen.
Entiendo que el proceso creativo no solamente es el trabajo físico para ejecutar una obra. Proceso creativo puede ser una experiencia de cualquier tipo. Incluso puede ser traicionarte a ti mismo. No hay pureza.
Siempre dudo que nunca se vaya a repetir el mismo proceso interno . No me imagino que acepte de nuevo someterme a una trama invisible que te obligue a negociar con muchas cosas abstractas, aquellas enemigas de lo cotidiano. Piensas que nunca más podrás abordar con la misma ilusión y energía tantas cuestiones estéticas que revelen algo de tí. Lo narrativo con la abstracción, la duda con la fuerza, lo liviano con lo presente, etc, etc. Que nunca más te enfrentarás a las mismas incógnitas. Que nunca más sufrirás similares altibajos.
Nunca más, nunca más, nunca más…porque todo ello es muy intenso.
Pero te embarcas en otro proyecto y aunque los resultados vayan a ser obviamente distintos, hay hechos que son similares. Me refiero a un entramado indescriptible de dolor y de placer…y no puedes evitar sumergirte de nuevo en él.

La instalación “CABEZA- ESPIRAL-AGUJERO-PUÑO-ESPERMA-NUDO” es una revisión personal a la vez que un statement, sobre la escultura como una de las bases fundamentales del arte.
Se compone de seis formas orgánicas, abstractas, de tamaño casi idéntico. Las chaquetas son prendas que se han utilizado realmente, cuya piel está un tanto gastada, como el pellejo de un animal descuartizado, abierto, expuesto a los elementos. Como una crucifixión.
Trato con idéntica importancia las tradicionales connotaciones nobles de un bronce frente a las cualidades más mundanas de las chaquetas de cuero manufacturadas. La jerarquía de la peana y la escultura son también tratadas de manera igualitaria. Siempre me ha interesado la peana como un volumen autónomo, como sujeto en sí mismo. Las prendas de cuero son las “peanas”, la forma desde donde emerge la escultura para exhibirse con un mayor efecto descarnado.
Cada pieza de bronce que conforma esta instalación es una escultura autónoma. Sus volúmenes en el espacio indican el volumen de seis presencias humanas. Una línea imaginaria las une en el vacío entre ellas. Una recta que dibuja ausencia y presencia. Se delimita la anatomía emocional, la parte del tronco, con los órganos que teóricamente expresan sentimientos: el estómago, el corazón…. Sin embargo, las seis formas podrían ser también cabezas. La cabeza es uno de los temas de representación más recurrentes en mi trayectoria.
“CABEZA-ESPIRAL-AGUJERO-PUÑO-ESPERMA-NUDO” late con un mensaje de transgresión. En concreto, de inversión de género. Es una seña autobiográfica, de experiencias vividas, donde se refleja la imposibilidad de definir, de acotar con rígidas barreras conceptos como masculino/femenino. El conjunto al completo de las seis esculturas tiene un enfoque afilado narrativo. Un manifiesto sobre como el arte no tiene que ser necesariamente auto-generado. A menudo, surge motivado por razones que no son, por definición, necesariamente artísticas. En este caso, de una de toma de conciencia, una explosión que literalmente brota por la espalda. Algo que se modela a golpes de experiencia, lejos del ámbito aislado del estudio. Deseaba comentar la rotunda vitalidad de la forma, en abstracto, pero también la imposibilidad de aislar el arte en seguras, estériles burbujas y blancas paredes.

Ana Laura Aláez